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sexta-feira

7

outubro 2016

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Álbum inédito do Sabotage será lançado este mês

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Sabotage álbum inédito URBe
Imagem do filme “Maestro do Canão”

O Spotify lançará no próximo dia 17 de outubro “Sabotage”, o álbum de inéditas do rapper paulistano tão aguardado pelos fãs. O disco, que também irá ganhar edição em vinil, apresenta onze faixas que foram produzidas e finalizadas ao longo de 10 anos, em parcerias com Tropkillaz, Shyheim, Wu Tang-Clan, Céu, BNegão e Dexter, este último, gravou com Sabotage um dia antes de morrer.

A direção de “Sabotage” foi feita por Tejo Damasceno, Rica Amabis e Daniel Ganjaman, com a colaboração de DJ Cia, Quincas Moreira, Tropkillaz, DJ Nuts, Mr. Bomba e Duani como produtores associados.

No dia de lançamento do álbum, o Spotify vai realizar uma audição pública do disco, intercalando as faixas com depoimentos de amigos do rapper.

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terça-feira

30

janeiro 2007

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Gran finale

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HPP 2007
fotos: Joca Vidal

E lá se foi o Humaitá pra Peixe 2007. Numa edição que sofreu os reflexos da fraca safra de novidades de 2006, o HPP mais mapeou a cena do que apresentou novos talentos, dando espaço para algumas das diversas vertentes culturais que se espalham pela cidade.

No novo formato, com shows nos finais de semana, o festival recebeu um público diferente do habitual. Não que antes, quando os shows eram às terças e quartas, fosse muito diferente, mas a ausência de gente das ditas grandes gravadoras e veículos de imprensa ficou ainda mais óbiva dessa vez. O desinteresse pelo novo chega a ser engraçado, não fosse trágico.

Quem pensava que o Brasov seria imbatível e levaria fácil o título de melhor show do HPP 2007, se enganou. O Móveis Coloniais de Acaju chegou atropelando — o que era até previsível — no final de semana de encerramento, com uma programação mais próxima da cara do festival.

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Duplexx

Na sexta, o Duplexx criou um clima de ficção científica, prejudicado por problemas técnicos no próprio equipamento. Alguns curiosos ficaram pra conferir as estranhezas eletrônicas da dupla, mas grande parte preferiu esperar do lado de fora.

Difícil dizer se foi falta de ensaio ou de proposta, mas tudo soou um tanto frouxo. A guitarra e bateria ao vivo não acrescentaram muito, ao contrário dos metais, notadamente o trombone, que ajudou a amarrar os ruídos gerados pelos sintetizadores. Timbres e programações legais apontam para um caminho que pode ser interessante, principalmente quando se souber que caminho é esse.

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Vulgue Tostoi

Ultimamente parece que toda banda extinta está voltando à ativa, por um show apenas ou para retomar a carreira. São tantas que chega a confundir. Afinal, quanto tempo uma banda precisa ficar afastada para se caracterizar uma reunião? Nessa verdadeira volta dos que não foram, o Vulgue Tostoi se apresentou no festival onde havia estado em 2000.

Jr. Tostoi tem se destacado como guitarristas de apoio de Lenine, assim como Guila, também baixista do Vulgue. Tecnicamente muito boa, a banda se perde em referências pouco disfarçadas. Dá pra ouvir um Jane’s Addicition e seu “Ritual de lo habitual” numa introdução em espanhol, AC/DC em riffs que lembram “Thunderstruck” e Mogwai, no clima soturno presente em quase todas as músicas, mesmo na pegada reggae de uma delas.

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Turbo Trio

Apesar da presença de BNegão nos vocal, o Turbo Trio, que conta também com Tejo Damasceno (Instituto) e Alexandre Basa (ex-Mamelo Sound System e produtor do disco do Black Alien), é presença rara no Rio.

Abrindo a última noite do HPP 2007, o combo provou que o lugar deles é mesmo por aqui. Misturando Miami bass, baile funk, ragga e muita pressão nos graves, por vezes lembrando o Apavoramento Sound System, o Turbo Trio começou com “Terremoto”, cuja letra dá um passo além de “Rio 40 graus”, de Fernanda Abreu: “Riô 50 graus / quem não aguenta passa mal”.

Entre as participações virtuais de Deise Tigrona e trechos de Tim Maia (“Energia racional”), o vocal agressivo de BNegão deixa pouco espaço para as excelentes bases, o que pode dificultar o sucesso do projeto nas pistas, ao mesmo tempo que pode fortalecer o trio num baile. Já passa da hora, aliás, desse intercâmbio deixar de ser de mão única e artistas influenciados pelo funk se apresentarem nos bailes, devolvendo algumas referências para o batidão.

BNegão cantou a sua “Dança do patinho”, enquanto o telão mostrava trechos de “Rize”, documentário sobre uma dança, o krump, dirigido pelo fotógrafo David Lachapelle. Um remix de “Do robô”, outra do repertório do Seletores de Frequência, teve sample de “Big in Japan”, do Alphavile. Tomara que não demore mais um ano para o Turbo Trio retornar ao Rio.

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Móveis Coloniais de Acaju

Móveis Coloniais de Acaju. Isso lá é nome de banda? Pra esse ter sido aprovado, imagina o que não ficou de fora. A falta de preocupação em soar moderninho e bacanudo, desde a decisão pelo nome da banda, é justamente o motivo do Móveis soar… bacanudo, moderninho e, sobretudo, relevante.

A desprentensão com que o Móveis Coloniais de Acaju mistura ska, samba, rock, samba-rock, sonoridades de big band dos anos 50, sem soar referencial ou respeitoso demais, é o segredo da banda. O clima de encontro de amigos (nada menos que 10!) pra tocar parece sincero, resultando num som com o frescor que se espera de todas as bandas novas.

Não foi a primeira vez dos brasilenses por aqui, ainda assim a recepção quase histérica do público foi além da melhores previsões. Sem se espantar com nada disso, os integrantes continuaram tranquilos, literalmente desviando dos confetes e serpentinas jogados pelos fãs para fazer um show histórico.

O Móveis é uma banda de palco. Embora sejam as músicas tocadas sejam as mesmas presentes no único disco gravado até hoje, “Idem”, a bolacha não consegue captar a catarse que são os shows do grupo. Será necessário um produtor muito competente pra fazer essa transposição.

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A banda toca no meio do público

Além das músicas do disco de estréia e de algumas inéditas, o Móveis ainda encontrou espaço para versões de “Glory box” (Portishead), e de “Um, dois, três, quatro” (Little Quail and the Mad Birds), crássico alternativo dos anos 90, que contou com a participação do autor, o também brasiliense Gabriel Thomaz, hoje no Autoramas.

Gabriel aproveitou para anunciar que lançará pelo seu selo, Gravadora Discos — além de um compacto do Bnegão e os Seletores de Frequência e do novo disco do Autoramas — um EP intitulado “Vai Thomaz no Acaju”, como integrante da banda.

Por falar em BNegão, o MC deve ter batido o recorde de canjas em um só HPP. Depois de subir ao palco com A Filial, Curumim e com o próprio Turbo Trio, o rapper participou da versão de “Se essa rua fosse minha”, subvertendo o refrão e cantando”Se essa rádio, se essa rádio fosse minha / Eu botava o Acaju pra tocar / Se essa rádio, se essa rádio fosse minha / Não ia ter, não ia ter nenhum jabá“.

Ainda deu tempo de tocar “Copacabana”, que era pra ter sido a última. Porém, atendendo aos pedidos não só da platéia, assim como da própria banda, a produção liberou a saideira, com “E agora, Gregório?”.

Nem precisa perguntar pro tal Gregório. O futuro do Móveis Coloniais de Acaju está bem claro.

quinta-feira

21

dezembro 2006

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URB, dezembro 2006

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Aproveitando o sucesso gigantesco lá fora da versão de “Mas que nada”, do disco “Timeless” de Sergio Mendes, produzido por Will.I.Am, escrevi uma matéria (3 páginas) sobre a mistura de samba e hip-hop que rolam por aqui para edição de dezembro da revista americana URB.

Rappin’ Hood, Instituto, Mario Caldato, Leandro Sapucahy e, claro, Marcelo D2, estão na matéria. Assim que a revista estiver fora das bancas, reproduzo o texto aqui.

Paths Crossed :: Samba has always been a voice of the Brazilian people. When it meets rap, these artists make it shout
By Bruno Natal
03/29/07 :: URB 142

There’s more to the summer hit “MAS Que Nada,” taken from Timeless (Brazilian Bossa Nova pianist Sergio Mendes’s album, produced by Black Eyed Peas’ Will.I.Am) than the average listener would know. The explosive samba-rap track is just the visible tip of something that has been going on in Brazil for quite some time now.

Although, at first, samba and rap might seem far away-not only geographically-the two genres share a lot. Both are types of black music and both were also born in the poorest parts of town in their mother countries. While rap was created in the ghettos of New York, samba (in its better-known form) arose in the beginning of the 20th century from African rhythms in the favelas, as Rio de Janeiro’s slums are known worldwide. That’s the very same place where baile funk, the most recent case of Brazilian sounds going international, comes from.

This background plays a crucial role in the mix- ture that has come, some 100 years down the line. Even though it later evolved into many sub-genres, including sophisticated styles like bossa nova, samba has always had a tradition of speaking about social issues. And that’s where the two styles make contact.

Rio-born rapper Marcelo D2 (who makes guest appearances on Timeless), one of the most prominent artists and certainly the most popular to blend the two musical styles in Brazil, explains that “as it spread throughout the world, rap became the ghetto music of every place it reached. You can learn about Paris or S„o Paulo by listening to the rap made there. Samba is also like that. Getting the two of them together is the key to achieve an original form of Brazilian rap.”

Another big name in the game, Rappin Hood, hails from S„o Paulo and agrees. “I’m a fan of roots samba, Martinho da Vila, Fundo de Quintal, Dona Ivone Lara, Roberto Ribeiro. I like samba with political contents.” D2 proceeds, “Apart from Rappin Hood and I, not many people are doing this in Brazil. Xis and KL Jay have a killer track, ‘A Fuga,’ where they sampled a classic Originais do Samba song. If you make a top five of samba-influenced rap music, this one will be there.”

These two might be the most famous samba-hop rappers, but they are not alone. Samba has always been a major influence on every music style in Brazil and it isn’t different with rap. Names like the late Sabotage or Z’África Brasil have also made attempts in this area, produced by S„o Paulo’s Instituto crew.

Part of Instituto, one of the most respected beat-making crews in the country, Tejo Damascendo thinks, “Any mix of rhythms ends up bringing some- thing new. In this case, it adds a Brazilian flavor to hip-hop while revitalizing samba as well.

“Since I released my first solo record, in ’98, I aim my music at samba. I was tired of the samba and rock mixture I had in my first band, Planet Hemp. When I discovered this mixture, it refreshed my life.” Marcelo D2 adds, “One thing I’ve learned from samba is to value the melody. Just like funk gave rap the ‘same beat’ principle, samba can give melody, the most important thing.”

Funny enough, it was an American-produced tune that first brought Marcelo’s attention to the possibilities of mixing samba and rap. “It was in Pharcyde’s ‘Otha Fish,’ produced by J Dilla. The first time I felt this in my own sound was during the mix of a song called ‘O Bicho T· Pegando,’ from Planet Hemp’s second album, produced by Mario Caldato. We talked about it non-stop and on that day I decided to make a record just with hip-hop beats and samba percussion.”

Marcelo D2’s long-time partner, Caldato, is behind it all. Born in Brazil (before moving to the U.S. during his childhood), not only has he produced two of Marcelo’s solo albums-A Procura da Batida Perfeita (In Search of the Perfect Beat) and Meu Samba È Assim (My Samba Is Like This)-plus the best track on his debut, Eu Tiro È Onda (slang loosely translated as “I’m the Man”), “Batucada”-he also produced today’s samba diva Marisa Monte’s most recent one.

Even under so much samba influence, Marcelo has no doubts about his job title. “I’m a rapper, but it seems that, nowadays, rap is going through some strange paths. To say that you’re a rapper means you do the same thing 50 Cent does. That’s not what I’m like. I’m more like Mos Def or KRS One.”

Respectfully, Rappin Hood goes further. “How could I come up to legends such Arlindo Cruz or Zeca Pagodinho and tell them I’m a sambista? They are the ones that dominate this art.”

“I think hip-hop is an open door to many different cultures. Samba and bossa are a perfect and natural blend that works great, just like jazz with bossa nova and samba,” Caldato observes. It’s true. The influence works the other way around and hip-hop culture is also influencing samba.

“Samba lyrics became somewhat unrefined and loose through the ’90s. The mixture with rap can help improve the quality, encouraging writers to go about political issues,” according to Leandro Sapucahy, a samba singer-producer who released his first album as an artist this year. “I made a samba record with rap influences. What I sing about is not what you usually hear in samba nowadays. Instead of romantic lyrics, I decided to talk about rougher subjects.”

The rappers believe that one thing complements the other. For D2, “What was lacking in samba [today], what rap is appropriating from it, is that samba has always been the voice of the people. During the ’90s, a commercial-oriented type of samba called pagode came up and roots artists disappeared and those who wanted true music embraced rap. Hip-hop attitude can help samba give a step forward and communicate with the kids again.” As for Rappin Hood, “The evolution of samba will come from samba itself. What rap does is bring back the challenging aspects of the lyrics, talking about the favelas.”

The international attention hip-hop and samba gained with “Mas Que Nada” divide the opinions. Rappin Hood is cynical. “This has happened before, with bossa nova. The foreigners come here, discover a new flavor and take it. The true inventors deserve recognition, too, not just those who are part of the industry. I’m not against it; it helps to popularize the style. What’s wrong is to only talk about those who have major labels’ money behind them.”

More optimistic, Marcelo D2 sees this in a natural way. “Will.I.Am has been doing this for quite some time now; Black Eyed Peas’ first album has Jorge Ben’s samples. In a way, his success was good for me. When I go to play abroad now, people have more respect, because they know where I’m coming from. His song is playing like crazy. . .I heard it in a taxi in Finland!”

Confident in the power of samba, Tejo sees the bright side in all this. “Because it exists longer, it helps rap more than the opposite, bringing melody, swing and, most of all, joy-something rare in hip-hop. On the other hand, rap brings a new audience to samba, especially those who only listen to foreign artists and [who] now perceive, through this mixture, that there is a lot of good stuff in Brazilian music, too.”

Marcelo has a story to illustrate this. “I see kids that you never guess would like samba, singing in my concerts, having fun. Today’s youth is more inclined toward rap than samba, so this mixture can help get them interested in samba. The other day, an eight-year-old kid told me at the airport that he started listening to Jo„o Nogueira’s music because he heard me talking about it so much. I thought this was great!”

Hopefully, this cycle will continue and the information exchange will move on. There’s only one thing that can come out of this: more good music.

quarta-feira

8

fevereiro 2006

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sábado

19

novembro 2005

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Ecos Jamaicanos

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Abaixo, o release que escrevi para o disco de estréia do Echo Sound System.

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Formado pelos produtores Pedro Dubstrong (DJ da Chocolate Crew e conhecido por suas mixtapes), Gustavo Sola e pelo o multi-instrumentista Gustavo Veiga (metade da dupla Veiga & Salazar), o Echo Sound System não é (mais) uma banda de reggae, nem é apenas um grupo de hip hop; é um coletivo de produção com raiz nas vertentes jamaicanas, mesclando diversas influências.

“Do centro de SP mandando ver pro mundo inteiro / freqüências e efeitos em estéreo brasileiro”, diz Jimmy Luv em “Todos um”.

O trio apresenta suas intenções logo no nome. Inspirado na cultura dos sound systems e ecoando diversos estilos da música jamaicana, o Echo Sound System utiliza a tecnologia para promover o reencontro do reggae e do rap, dois gêneros nada distantes (afinal, os rappers são descendentes diretos dos toasters jamaicanos). De quebra, mostra como são extensos os espectros tanto do hip hop, quanto da música produzida na ilha enfumaçada.

O disco de estréia, “Tempo vai dizer” (ST2 Records), mixado por Ganja Man e Tejo (Instituto), combina esses vários estilos. Vai do rocksteady de “Só d’eu ver(de)” ao dancehall de “Vampire”, passando pelo dub (“Supamind dub”), pelo reggae (“Pas tester”), pelo rub-a-dub (“I & I”) até o hip hop (“Punanny”). Além de Veiga, responsável pelo violão, baixo, teclados, flauta e escaleta, o baixista Gema e o saxofonista Andres Salazar também tocam no disco.

Conhecer os sound systems jamaicanos é fundamental para compreender a importância do reggae para música mundial. Desde os tempos do ska, nos anos 50, até o dancehall dos dias de hoje, todas as noites, em alguma esquina de Kingston, potentes aparelhagens de som são montadas para animar festanças gratuitas ao ar livre. Essas festas ambulantes são a mais respeitada forma de propagação musical na Jamaica, servindo de campo de testes para novas músicas e cantores.

Naturalmente, há um espírito competitivo entre os sound systems para ver quem sai na frente nos lançamentos. Não por acaso, foi um jamaicano, o DJ Kool Herc, quem primeiro botou caixas de som nas ruas do Bronx. Depois vieram Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa e o resto é história.

Apesar do respeito pelo passado, “Tempo vai dizer” não soa retrô. A produção caprichada atualiza as referências, misturando umas as outras, resultando num som original.

“Echo Sound System, raiz com futuro”, como é dito na faixa “Pas tester”.

Isso fica claro nas espertas programações de bateria, nos timbres diferenciados e nas ambiências viajantes. Outro diferencial é o bom uso de efeitos diretamente emprestados do dub (como delays, ecos e reverbs), sem nunca soar exagerados ou fora de propósito. Os efeitos estão em todo o disco e não apenas em faixas como “Bom filho” e “Kaya monkeys (safari dub)”, onde a influência de dubmasters como Scientist fica óbvia.

As batidas de hip hop são sustentadas por linhas de baixo (“Leão de asas”) ou por samples de bateria de reggae setentista (“Pas tester”). Os reggaes, por sua vez, seguem o caminho inverso, aceitando elementos do rap. Os MCs Funk Buia (Z’África Brasil), Jimmy Luv e Arcanjo (Enganjaduz) e o francês Pyroman (Assassins), se revezam nos vocais, variando entre o discurso social, o divertido e o espiritual.
“Todos um”, um hip hop com um pé no dancehall, que já havia sido lançada em um compacto de vinil, em 2004, conta com Funk Buia no microfone. “Só d’eu ver(de)” estava no lado b da mesma bolacha, prensada no clássico formato 7 polegadas dos lançamentos jamaicanos. Enquanto Arcanjo dá “um minuto pra explodir” na potente “Inna babylon”, Jimmy Luv despeja sinceridade na quebradeira de “Replay”.

Na Jamaica, é comum diversos cantores fazerem versões da mesma música, criando novas letras e melodias utilizando bases musicais idênticas, lá chamadas de riddim. Seguindo essa tradição, em “Original style” Pyroman canta sobre “Stalag”, riddim eternizado por “Bam bam”, na versão de Sister Nancy.

Além dos colaboradores regulares do Echo, o jamaicano General Smiley, integrante da dupla Michigan & Smiley (conhecida por hits do dancehall do começo dos anos 80, como “Diseases” e “Rub a dub style”), também está em “Tempo vai dizer”. Mesmo sem intenção, a mistura de línguas internacionalizou o som, o que pode abrir uma frente para o Echo Sound System no exterior.

General Smiley conheceu o Echo Sound System através da página do grupo no saite My Space (www.myspace.com/echosoundsystem) e fez toda sua participação à distância. Sua parceria, de rachar o coco, com Funk Buia em “Rookie rock” (produzida em conjunto com o suíço Romanowski, do coletivo Future Primitive Sounds), é um dos destaques do disco. Na edição especial em vinil, a música ganhou um remix do Turbo Trio, projeto paralelo de BNegão, Tejo e Alexandre Basa.

Após 21 faixas, “Tempo vai dizer” não cansa. “Favorite song” encerra o disco num astral tão bom que faz o ouvinte desejar que as vinhetas fossem músicas completas, só pra ter mais um gostinho. Ou então, que o CD fosse um vinil, pra poder virar o lado e continuar escutando.

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